Zonas mas densamente pobladas .

La aparición de nuestra especie dio lugar a grandes cambios que afectaron al planeta a lo largo de su existencia y , por otra parte , el crecimiento demográfico actual preocupa por el posible agotamiento de los recursos .
Este mapa muestra gráficamente la proporción de población urbana en cada país y también las ciudades más pobladas . 

LA CIUDADES MAS DENSAMENTE POBLADAS DEL MUNDO : 
1. Tokyo-Yokohama, Japón - 33,200,000
2. Nueva York, Estados Unidos - 17,800,000
3. Sao Paulo, Brasil - 17,700,000
4. Seúl, Corea del Sur - 17,500,000
5. Ciudad de México, México - 17,400,000
6. Osaka-Kobe-Kyoto, Japón - 16,425,000
7. Manila, Filipinas - 14,750,000
8. Bombay, India - 14,350,000
9. Jakarta, Indonesia - 14,250,000
10. Lagos, Nigeria - 13,400,000
11. Calcuta, India - 12,700,000
12. Nueva Delhi, India - 12,300,000
13. El Cairo, Egipto - 12,200,000
14. Los Ángeles, Estados Unidos - 11,789,000
15. Buenos Aires, Argentina - 11,200,000
16. Río de Janeiro, Brasil - 10,800,000
17. Moscú, Rusia - 10,500,000
18. Shanghai, China - 10,000,000
19. Karachi, Pakistan - 9,800,000
20. París, Francia - 9,645,000
21. Nagoya, Japón - 9,000,000
21. Estambul, Turquía - 9,000,000
23. Pekín, China - 8,614,000
24. Chicago, Estados Unidos - 8,308,000
25. Londres, Reino Unido - 8,278,000

Características del Barroco .

Se conoce con el nombre de Barroco a una etapa cultural de Occidente que abarcó el siglo XVII y buena parte del XVIII . 
El Barroco fue en gran medida una consecuencia de las luchas religiosas que habían dividido a Europa . 


Características : 
- El arte barroco , al igual que el renacentista , se inspiró en las formas clásicas  . Se dieron grandes diferencias .  Los artistas barrocos querían representar la realidad tal y como era , sin ocultar sus defectos y sin idealizarla . También deseaban despertar fuertes sentimientos en el espectador , para ello realizaban obras llenas de movimientos y contrastes . 
Durante el siglo XVII triunfaron en Europa nuevos métodos de conocimiento , que eran consecuencia de los cambios que se habían producido en el Renacimiento . Los científicos y pensadores del Barroco defendían que la verdad podía alcanzarse a través de la experimentación ( empirismo ) y el uso de la razón ( racionalismo ) . 

La Rendición de Breda - Velázquez .

La Rendición de Breda es una obra creada por Velázquez  en 1625 .

Las Hilanderas - Velázquez .

Las Hilanderas , es uno de los cuadros tambien mas famosos de Velázquez , que pintó en el año 1657 . 

Mito : 


Aracne era una de las mejores tejedoras de toda Grecia , sus bordados eran tan maravillosos que la gente comentaba que sus habilidades le habían sido concedidas por Atenea , diosa de la sabiduría y patrona de los artesanos . Pero Aracne tenía un gran defecto , era una muchacha muy vanidosa y decía , continuamente , que ella era la mejor tejedora . Un día , la orgullosa Aracne , no pudo aguantar más los comentarios de sus vecinos y llegó a compararse con Atenea . Se pasaba el día lanzando desafíos a la diosa e invitándola a participar en un concurso para ver cuál de las dos tejía mejor . La diosa Atenea quiso darle una lección a Aracne y bajó desde el Olimpo a la Tierra para aceptar su reto . 
Comenzó el concurso , Aracne y Atenea estuvieron tejiendo durante todo un día . Las dos hicieron tapices preciosos y perfectos . En el centro del lienzo Atenea retrata a varios dioses , señalando su descomunal poder y en las cuatro esquinas del lienzo representa castigos impuestos por los dioses a ciertas personas . Aracne por su parte representa todos los engaños cometidos por los dioses para enamorar , engañar y raptar a las ninfas . Atenea trata de encontrar algún error sin éxito . Furiosa lo rompe y castiga a Aracne transformándola en araña para que siempre haga lo que se le da muy bien : tejer hilo , para siempre . 

La venus del Espejo - Velázquez .

La Venus del Espejo es una obra de Velázquez , pintado en 1599 . 
Es la única obra conservada de Velázquez en la que aparece una mujer desnuda , 

aunque sabemos que pintó alguna más .
Lo que sí es cierto es que apareció en un inventario en 1651 como propiedad del Marqués de Eliche , gran amante de la pintura de Velázquez y de las mujeres , por lo que se piensa que puede representar a su esposa o a una de sus amantes .
Quizá por despistar , el pintor coloca el rostro del espejo difuminado para así reflejar el cuerpo desnudo de la dama que el marqués amaba .
Coloca a una mujer de belleza palpable , de carne y hueso , resaltando aun más la carnación gracias al contraste con el paño azul y blanco , o el cortinaje rojo que da gran carga erótica al asunto . Posiblemente esto provocó que una sufragista inglesa acuchillara el cuadro en 1914 con siete puñaladas que apenas sí se notan . Da la sensación de que el artista ha sorprendido a Venus mientras Cupido , resignado , sostiene el espejo en el que se refleja el rostro de la belleza , aunque lo que deberíamos ver sería el cuerpo de la diosa . En cuanto a la técnica , cabe destacar cómo el pintor utiliza una pincelada suelta , que produce la sensación de que entre las figuras circula aire .
En este cuadro sale el hijo de la venus sujetándola el espejo , a la vez que representa la sensualidad de la mujer .

Las Meninas - Velázquez .

Las Meninas es la obra mas famosa de Velázquez , fue pintada en 1656 . 
La estancia en la que se desarrolla la escena sería el llamado cuarto del Príncipe del Alcázar de Madrid , estancia que tenía una escalera al fondo y que se iluminaba por siete ventanas, aunque Velázquez sólo pinta cinco de ellas al acortar la sala.

La Fragua de Vulcano - Velázquez .

La Fragua de Vulcano es una obra realizada por Velázquez . Actualmente se encuentra en el museo del Prado desde 1819 . 
El cuadro describe el momento en que el dios Apolo , coronado de laurel , visita el lugar donde Vulcano se encuentra fabricando armas para la guerra . 
El dios Apolo comunica a Vulcano ,  el engaño de su esposa Venus , diosa de la sabiduría ,  con Marte , dios de la guerra , por esa razón todos los personajes miran con cara sorprendida al dios que acaba de presentarse en el estudio , sobre todo Vulcano , con una postura como de asombro , incluso alguno de ellos abre la boca y los ojos para indicar gesto de sorpresa .
Al escuchar la noticia toda la fragua se queda petrificada: esta sensación la ha conseguido perfectamente el artista . 
También se advierte el interés mostrado por conseguir el efecto espacial , recurriendo a disponer figuras en diferentes planos , ocupando todo el espacio , relacionándose a través de líneas en zig-zag . La luz también ha experimentado un sensible cambio al modelar con ella las formas de los cuerpos que revelan la estructura de los huesos y músculos bajo la piel . Se advierte que estamos , sin duda , ante una nueva fase del arte velazqueño .

Los Borrachos - Velázquez .

Los Borrachos , una de las obras más famosas de Velázquez , fue realizada en 1628 . 
En el cuadro , se diferencian dos partes , en la izquierda , vemos a un hombre , Baco , como el dios que obsequia al hombre con el vino y que lo libera al menos de forma temporal de sus problemas cotidianos . La zona de Baco , está  muy iluminada , cercana al estilo de Caravaggio ,  que alude a la zona mitológica , con un personaje semidivino a su lado . 
En la derecha , encontramos a varias personas , borrachines , rojos por el vino y riéndose . Parece como una parodia , una fiesta , donde el hombre deja de tener sus cadenas de la vida cotidiana para celebrar la llegada del vino . Estos personajes se inspiran en Ribera , y en sus personajes ataviados como mendigos . 
Además , para separar la parte mitológica de la real la iluminación que usa es mas oscura que en la zona de Baco . 
Los rostro de los borrachos son muy realistas y naturalistas , como el borracho que mira al espectador como haciéndole partícipe de la fiesta . 
En un alarde de técnica y realismo se colocan dos jarras en primer término que configuran un bodegón muy típico del barroco . 

Retrato ecuestre de Felipe IV - Velázquez .

El retrato ecuestre de Felipe IV ,  es un óleo , que fue pintado por Velázquez en 1634 . Forma parte de un grupo de cinco retratos ecuestres que realizó para la decoración del Salón de Reinos del Palacio del buen Retiro . Se representa al rey montado en un caballo en posición de corveta . 

En la actualidad se encuentra en el museo del Prado de Madrid .

Constituye una de las mejores obras del genial artista , siendo superior a los demás retratos ecuestres por él realizados  .

En este se representa al rey lleno de una serena majestad , de elegancia , conseguida con gran naturalidad , como si se tratase de una instantánea sin preparar . El retrato recoge la tradición imperial romana recuperada en el Renacimiento con Donatello en la escultura y pronto recogida por Tiziano . 

Vieja Friendo Huevos - Velázquez .

La Vieja Friendo Huevos es una obra de Velázquez , realizada en 1618 , cuando aún estaba en Sevilla . 
Su popularidad ha hecho de ella una de las escenas más significativas del Barroco español . 
El asunto tratado por el maestro supone una absoluta novedad , ya que hasta ahora nadie se había atrevido a representar en la pintura española escenas tan aparentemente triviales como ésta .
En primer plano vemos a una anciana cocinando unos huevos en un hornillo de barro cocido ( como se hacía antiguamente ) , junto a un muchacho que porta un melón de invierno ( se sabe que es de invierno , debido a que las personas que pinta en el cuadro llevan ropas de invierno )  y una frasca de vino .  Ambas figuras se recortan sobre un fondo neutro , empleado para destacar aun más . 
En la zona de la derecha contemplamos uno de los mejores bodegones del arte español , formado por varios elementos metálicos , vasijas de cerámica y una cebolla colorada . Para que el espectador pueda contemplar con más facilidad estos elementos , el maestro nos levanta el plano de la mesa y el hornillo de barro , empleando de esta manera una doble perspectiva con la que se anticipa a los impresionistas . 
El realismo de los personajes es digno de mención . La suciedad del paño con el que se cubre la cabeza la anciana o el corte del pelo del muchacho nos trasladan al mundo popular que contemplaba a menudo Velázquez . Incluso se piensa que la anciana podría ser el retrato de su suegra , María del Páramo , mientras que el muchacho podría ser  un ayudante de su taller , posiblemente Diego Melgar . 
Velázquez ha representado una escena de la vida cotidiana , representando en su cuadro todo el  realismo . 

Velázquez .

Velázquez nació en Sevilla en 1599 , fue un pintor barroco español . 
A los once años inició su aprendizaje , en el taller de Pacheco . Con 19 años , se casa con su hija , Juana Pacheco , en 1617 . 
Cuando todavía era un adolescente , pintó algunas obras religiosas , con un realismo inusual y pronunciados efectos de claroscuro . Influenciado por Caravaggio , destacó en obras como ' El aguador de Sevilla ' o ' La Adoración de los Reyes Magos ' . 
En 1623 se traslada a Madrid donde obtiene el título de pintor del Rey Felipe IV , gran amante de la pintura .  Entonces , empieza su ascenso en la corte española , realizando interesantes retratos del rey y su famoso cuadro ' Los Borrachos ' . 
En italia , pinta ' La Fragua de Vulcano ' y ' La Túnica de José ' , después regresa a España . 
En sus últimos años de vida , deja en España obras como ' Las Hilanderas ' y ' Las Hilanderas ' . La famosa cruz que exhibe en este cuadro la obtendrá en 1659 . 

Cristo Crucificado .

Cristo Cruzificado de Zurbarán : 
El cuerpo de este Cristo muerto puede compararse en igualdad de condiciones al Cristo Muerto de Velázquez , quien estudió al mismo tiempo que Zurbarán en Sevilla. El pintor extremeño recurre a todos los efectos del caravaggismo , como es el fondo oscuro sobre el que se aplica un tremendo foco de luz lateral . Esto hace relucir fantasmagóricamente la piel blanca del muerto , limpia , sin sangre ni rasguños , incluso la herida del costado se disimula hábilmente quedando oculta por la sombra en el costado derecho . 
El efecto es el de un cuerpo en plena madurez , una plenitud espléndida que demuestra la perfección de Cristo , incluso más allá de la muerte . Las proporciones que Zurbarán plasma en el cuerpo son de un academicismo total . 

Cristo crucificado de Velázquez : 

En la composición del Cristo , sereno , con cuatro clavos y la cabeza inclinada . El modelado , blando y suelto , ha perdido la precisión escultórica de los años juveniles , pero su técnica ligera , esfumada y sin apenas pasta de color , crea un cuerpo esponjoso de luz , mas no por ello menos real .

Por su serenidad y su indefinible misterio ha sido este lienzo punto de partida de meditaciones literarias . Recuérdese tan sólo el largo poema teológico de Miguel de Unamuno 

que lleva su nombre .

Velázquez :                                    Zurbarán :                                                                                         

          

Francisco de Zurbarán .

Francisco de Zurbarán fue un genial pintor de la época barroca española . Nació en el año 1598 , hijo de un mercero que le enviará antes de cumplir veinte años a Sevilla , a estudiar su aprendizaje con Pedro Díaz de Villanueva , durante tres años . 
Desconocemos los motivos que llevaron a su padre a inscribirle en este taller , pues lo normal era que existiera una vinculación familiar con el gremio en el que se desarrollaba la formación profesional de los jóvenes . Tal vez unas excepcionales dotes para el dibujo inclinaron a sus progenitores por esta profesión . Cuando Zurbarán comienza de aprendiz , el panorama artístico de esos años era muy fértil .
Algunas de sus obras fueron :  San Hugo en el refectorio , La misa de fray Pedro de Cabañuelas , El adiós de fray Juan de Carrión a sus hermanos ... . La Cartuja de Jerez, San Pablo el Real, el Monasterio de los Jerónimos de Guadalupe o la Merced de Sevilla fueron algunos de los sitios para los que llevó a cabo sus principales series . 

1664 .

La Plaza Mayor .

La Plaza Mayor de Madrid se encuentra en el centro de la ciudad (Madrid) , muy cercana a la Plaza de la Puerta del Sol  . El nombre de la plaza ha cambiado con el paso del tiempo , debido a las guerras , golpes de estado ... Algunos de ellos son los siguientes : Plaza del Arrabal , Plaza de la Constitución , Plaza Real , Plaza de la República , y finamente pasó a llamarse Plaza Mayor . 
El origen de esta plaza se remonta al siglo XV . En ese momento se ubicaba en aquél lugar el mercado principal de la villa , entonces se construyó una primera casa , de manera que se pudiera controlar el comercio en la plaza . 
Ya Felipe II , en el año 1580 ,  pidió  Juan Herrera que diseñara una plaza en el lugar , empezando así la demolición de las casas . El levantamiento del primer edificio para la nueva plaza fue la Casa de la Panadería . 
Esta plaza ha tenido tres incendios grandes a lo largo del tiempo, el primero fue en el año 1631, pero luego volvió a ser reconstruida por Juan Gómez  de Mora (uno de los realizadores originales) , el segundo ocurrió en 1670 , y fue reconstruida por el arquitecto Tomás Román y finalmente , el tercer siniestro fue en 1790 , el cual destruyó un tercio de la plaza , siendo reconstruida por Juan de Villanueva . 
En el centro se halla una estatua ecuestre de Felipe III montado en el caballo , y este con una pata levantada . Obra de Juan de Bolonia , finalizada en 1616 por su discípulo Pietro Tacca . 

La incredulidad de Santo Tomás - Caravaggio .

La incredulidad de Santo Tomás es un cuadro , realizado por Cravaggio en 1602 .
Fue pintado para la familia Giuliani , que lo mantuvo en su colección .
La obra nos muestra la escena evangélica , el milagro de la resurrección de Cristo  ante sus discípulos , pero Tomás aún no cree en su identidad , por lo que Jesús , tomando el dedo de Tomás lo introduce en la llaga de su costado . Este hecho , que podría parecer exagerado , es la mayor prueba física del reconocimiento de Cristo , la definitiva demostración de su regreso desde el reino de los muertos . 
Caravaggio ha ejecutado una composición donde se ve completamente como el dedo está metido en la llaga , de tal modo que la atención de los personajes del lienzo y la de los espectadores se ve atraída por esta "prueba" física .
El habitual naturalismo descarnado de Caravaggio se vuelve aquí casi de sentido científico : la luz fría cae en fogonazos irregulares sobre las figuras , iluminando el cuerpo de Cristo con un tono amarillento , que le hace aparecer como un cadáver . 
La incredulidad de Santo Tomás es una pintura al óleo . 

Características de la pintura de Caravaggio .

La pintura Barroca mostró un claro predominio del color sobre el dibujo , buscando una profundidad continuada en las obras . 

Caravaggio fue el creador del definido tenebrismo pictórico , consistente en la captación de la luz a través de la plasmación de sombras . Este estilo sería utilizado por diferentes pintores barrocos , aunque nadie como su creador consiguió crear la deseada profundidad espacial del dibujo .
Caravaggio fue un pintor original y revolucionario , que aportó nuevos elementos pictóricos a las escuelas europeas , buscó llevar a su máxima expresión el naturalismo , inundando sus obras de aspectos desagradables .
En todas las obras de este pintor se puede apreciar la predileción de éste por el ángulo contrapicado , fue el máximo representante de la escuela barroca italiana , y es que el tenebrismo fue adoptado por distintas escuelas , lo que le convierte en la máxima figura pictórica italiana . Con este desplazamiento espacial consigue dotar a sus obras de mayor profundidad y realismo .

Conversión de San Pablo - Caravaggio .

La conversación de San Pablo es un cuadro creado por Caravaggio en 1600 , y se encuentra en la Capilla Cesari de Santa María del Popolo (Roma) .
En este cuadro Caravaggio a querido representar la escena en la que Pablo , se convierte al cristianismo .
Caravaggio nos cuenta esta historia de una manera completamente diferente , bajo la apariencia de lo trivial : en primer lugar , la escena parece tener lugar en un establo , dadas las dimensiones del marco . El caballo es un  percherón robusto , inadecuado para el joven soldado que se supone era Saulo .  El ambiente es nocturno y no el del mediodía descrito en los escritos de San Pablo . Estos recursos , que vulgarizan la apariencia de la escena , son empleados con frecuencia por Caravaggio para revelar la presencia divina en lo cotidiano . Existen detalles que nos indican la trascendencia divina de lo que contemplamos , pese a los elementos groseros .
Por otro lado tenemos la luz irreal y masiva que ilumina de lleno a Saulo , pero no al criado . El caballo parece venirse encima del caído , que implora con los brazos abiertos . Los ojos del muchacho están cerrados , pero su rostro no expresa temor sino que parece estar absorto en el éxtasis . Siguiendo estas claves , Caravaggio nos desvela magistralmente la presencia de la divinidad en una escena que podría ser completamente cotidiana .


Mito :
El joven aún llamado Saulo era un soldado arrogante perseguidor de los cristianos . Un mediodía , de camino a otra ciudad , fue derribado del caballo por una poderosa luz , al tiempo que la voz de Dios le preguntaba " Saulo , ¿por qué me persigues? ". Saulo quedó ciego varios días y milagrosamente recuperó la vista con los cuidados de la comunidad cristiana . Se convirtió , y adoptó el nombre de Pablo .

Cena de Emaús - Caravaggio .

Cena de Emaús es un cuadro pintado por Caravaggio entre 1599 y 1600 .
Esta obra marca un giro radical dentro de la obra de Caravaggio , dando inicio al claroscurismo e introduciendo plenamente los motivos procedentes de la historia sagrada . 

El espacio es creado por medio de las posiciones escorzadas de la mesa y la cubertería , apareciendo numerosas naturalezas muertas . Cristo partiendo el pan en el momento de la eucaristía es el eje axial de la composición , encontrándose iluminado por un foco de luz , dirigiendo hacia él la atención sus discípulos , que lo reconocen asombrados. Mientras , el posadero observa la escena con extrañeza , ajeno a lo que esta sucediendo . 
La escena de este óleo narra los primeros pasos de Cristo resucitado . Habiendo encontrado éste a dos de sus discípulos es el camino a Emaús , los hombres no reconocen a su maestro hasta el momento de la cena en una posada , pues al bendecir Jesús el pan y el vino reconocen el gesto de la eucaristía y , a su señor .
Caravaggio ha utilizado una composición muy frecuente en la pintura veneciana , en especial de Tiziano , con Cristo en el centro , acompañado de su sirviente . 

Caravaggio .

Michelangelo Merisi da Cravaggio nació en Caravaggio (Caravaggio era una población perteneciente al condado de Bergamasco, en 
Lombardía )   en 1571 . 
Fue un pintor italiano , principal figura de la pintura italiana de su tiempo . De Caravaggio se ha dicho que fue un revolucionario tanto por su vida turbulenta como por su pintura , en la que planteó una oposición consciente al Renacimiento y al manierismo . 
Salvo en sus principios, Caravaggio produjo mayoritariamente pinturas religiosas . Sin embargo , a menudo escandalizaba y sus lienzos eran rechazados por sus clientes . 
Caravaggio muere en 1621 . 

El rapto de Proserpina - Bernini .

El rapto de Proserpina es una obra realizada por Bernini entre 1621 y 1622 . Es una estatua de mármol .
Proserpina , es hija de Zeus y Demeter ( diosa de la agricultura , el campo ... ) , y es raptada por Plutón ( dios del infierno ) , ya que este se sentía muy solo en el infierno , y al ser hechizado por cupido se enamora de ella , la escultura muestra el momento en el que Proserpina es raptada por Plutón , y esta intenta soltarse , llamando a su madre , pero todo es inútil , Plutón consigue llevársela  y convertirla así en la reina del infierno . 

Mito del Rapto de Proserpina : 


Deméter , diosa de la agricultura y de la tierra , tenía una hija llamada Proserpina .
Un día en el que Proserpina se paseaba y recogía flores , su tío Hades la raptó y se la llevo al inframundo .
Deméter se llevo tal disgusto que empezó a descuidar la tierra y todas las plantas se secaron .
Zeus , el rey de los dioses y hermano de Deméter y Hades obligó a éste a que le devolviera a su hija , para que Deméter volviese a cuidar de la tierra .
Hades aceptó con la condición de que Proserpina no  comiera nada durante el viaje del infierno hacia la tierra , Proserpina no se resistió y comió . 
Eso haría que Proserpina se viese obligada a volver cada año , así llegaron las estaciones del año , cuando Proserpina regresaba al lado de su madre , la tierra florecía y se llenaba de vitalidad , es decir , llegaba la primavera . Pero cuando Proserpina volvía al lado de Hades , la tierra se marchitaba de nuevo , sé moría la vegetación , y  llegaba el invierno .

Apolo y Dafne - Bernini .

Apolo y Dafne , es una escultura de mármol blanco , a tamaño real , realizada entre 1622 y 1625 . 
En ésta obra , Bernini quiere expresan el mito de Apolo y Dafne , el dios Apolo , a sido hechizado por una flecha de Eros ( Cupido ) , que hace que se enamore locamente de la ninfa Dafne , que no lo soporta . Esto hace que Apolo persiga a Dafne para que se anamore de él .
La obra representa justo el momento en el que Apolo toca  a Dafne , y ésta se convierte en laurel . El joven Apolo , de facciones y proporciones clásicas , ve interrumpido su carrera por el movimiento ascendente de la joven quien , elevando sus brazos al cielo , observa con horror como la transformación se va apoderando de su cuerpo . De los dedos y cabello brotan las ramas y hojas , de sus pies nacen las raíces mientras el cuerpo se va cubriendo de la corteza del tronco . 


Mito de Apolo y Dafne . 


Cuenta el mito que Apolo quiso competir con Eros en el arte de lanzar flechas . Eros, enfadado por la arrogancia de Apolo , ideó vengarse de él y para ello le arrojó una flecha de oro , que causaba un amor inmediato a quien hiriese . También hirió a la ninfa Dafne con una flecha de plomo , que causaba el rechazo amoroso . Así que cuando Apolo vio un día a Dafne se sintió herido de amor y se lanzó en su persecución . Pero Dafne , que sufría el efecto contrario , huyó de él . Y la ninfa corrió y corrió hasta que agotada pidió ayuda a su padre , el río Peneo , el cual determinó convertir a Dafne en laurel . Cuando Apolo alcanzó a Dafne , ésta iniciaba la transformación : su cuerpo se cubrió de dura corteza , sus pies fueron raíces que se hincaban en el suelo y su cabello se llenó de hojas . Apolo se abrazó al árbol y se echó a llorar . Y dijo: 'Puesto que no puedes ser mi mujer , serás mi árbol predilecto y tus hojas , siempre verdes , coronarán las cabezas de las gentes en señal de victoria ' .

La transformación la relata Ovidio en el poema 'Las metamorfosis '. Este mito ilustra el origen de uno de los símbolos típicos del dios, la corona de laurel .

La Fontana di Trevi - Nicola Salvi .

La Fontana di Trevi , es una fuente creada por Nicola Salvi , entre 1732 y 1762 ( se encuentra enfrente del Palazzo Poli ) . Esta fuente , es una de las más conocidas de Roma , y una de las mas visitadas . 
La fuente de Trevi está dividida en tres nichos de cuatro columnas , en el nicho central , tras las rocas artificiales , se encuentra la poderosa figura del rey del mas ( Neputno ) , representado sobre una carroza en forma de caracol , tirada por caballos alados . En los nichos laterales se encuentran las estatuas de la Abundancia ( izquierda )  y de la Sabiduría ( derecha ) , realizadas por Filippo Valle . 
En la pila grande , simbolizando el mar , entre las esculturas se encuentran figuras de tritones y animales marinos mitológicos y reales .
A lo largo de la historia se sucedieron las modificaciones en el diseño original de la fuente , y así arquitectos como Bernini , Salvi o Panini , el encargado de terminar la fuente y dejarla tal y como la conocemos ahora .


Leyenda de la Fontana de Trevi .  


Existe una leyenda urbana que dice que todo aquel que lanza una moneda a la Fontana de Trevi (el ritual exige que se haga de espaldas, con la mano derecha y por encima del hombro izquierdo) acabará volviendo a Roma, y lo cierto es que no hay un solo turista que no cumpla con el ritual, hasta el punto que las monedas son recogidas todos los días y destinadas a la beneficencia (antes las recogían otros también a diario pero para su propio beneficio). Lo que no es tan conocido por los que visitan Roma es que si se lanzan dos monedas en vez de una se encontrará el amor en Roma, y si se lanzan tres monedas el que lo haga se casará en Roma.

La fuentes de los cuatro rios - Bernini .

La Fuente de los Cuatro Ríos , es una fuente creada por Bernini , entre 1648 y 1651 .
Principalmente , las estatuas que componen la fuente , son los cuatro ríos mas importantes de todos los continentes : Nilo ( África ), Ganges ( Asia ) , Danubio ( Europa ) , Río de la Plata ( América ).
Bernini  , creía que le iban a conceder el proyecto de construir los edificios que hay alrededor de la fuente ( la plaza de las cuatro fuentes ) , pero su sorpresa fue mayor , no le concedieron la del proyecto de la plaza , si no el de la fuente de los cuatro ríos , el otro proyecto fue entregado a Borromini . Esto , enfadó tanto a Bernini que ninguna de las cuatro figuras de la fuente , miran hacia los edificios , si no que están de espaldas , con un gesto despectivo hacia ellos .
El conjunto se encuentra coronado por un obelisco, que recrea la tradición iniciada por Paulo V.  Sobre éste se posa una paloma , símbolo del Espíritu Santo .